О чем думает художник
Как научиться читать язык картин и стать ценителем живописи
Кто они такие — любители живописи
Бывая на художественных выставках, многие из нас видели людей, застывших, будто в ожидании, перед какой-нибудь картиной. С первого взгляда это кажется смешным. Что, действительно, можно так долго разглядывать? И вообще, как говорится в известном анекдоте, зачем смотреть на то, как люди « в древности» без « Полароида» мучились? Да, темп жизни постоянно возрастает, и люди, для того чтобы успеть за временем, все больше становятся прагматиками, оценивающими все, что их окружает, с точки зрения вложений и прибыли. Конечно, любуясь картиной, никакой материальной выгоды Вы не получите. Однако если внимательно приглядеться, можно заметить поразительную связь между зрителями и самой картиной: их лица озаряются идущим от полотна неведомым светом, как будто они попадают под действие загадочной ауры картины.
Живопись — это особый мир, дверь в который всегда открыта, но войти туда может не каждый. Знания, которые несут картины, это не та информация, к которой мы все привыкли, не те сведения, которые мы получаем в школе, и не тот поток фактических данных, который обрушивается на нас каждый день из средств массовой информации. Это духовные знания. Осознание их приходит постепенно — по мере того, как зритель, шаг за шагом, обретает готовность приобщиться к духовному опыту. Поэтому выдвинутый когда-то большевиками лозунг: «Искусство — в массы» в корне неверен. Искусство ничего не может дать массам, если массы не готовы дать искусству что-то взамен. И в этом смысле искусство — элитарно. Однако оно не закрыто для пытливых и страждущих, и всегда готово встретить вновь прибывшего, чтобы, взяв его тихонечко за руку, провести затем по тропе познания в мир простых истин. Нельзя сказать об этом лучше, чем когда-то сказал Ю. Визбор о мире музыки: «Какая музыка была, какая музыка звучала. Она совсем не поучала, а лишь тихонечко звала. Звала добро считать добром, и хлеб считать благодеяньем, страданье вылечить страданьем, а душу греть вином или огнем.».
Как художник воплощает в картине свои идеи
Глаза нас частенько подводят. Вот и в живописи изображенное на картине далеко не всегда равнозначно тому, что хотел сказать автор. Да, любителям телевизионных программ, обожающим смотреть красивые картинки, лежа на диване, это не понравится. Прибегая к использованию техники живописи, художник передает свои мысли и чувства через некий информационный код.
Во-первых, автор ( будь то автор художественного произведения или какого-либо еще) всегда выступает « заложником» своего времени. Поэтому идея картины обязательно имеет « привязку» к исторической эпохе, в которой творил художник. Так, например, в средневековой живописи изображение человеческого тела и всего, что с ним связано, считалось греховным. Поэтому неподготовленный человек, глядя на эти полотна в свете сегодняшних представлений, решит, что это какой-то « детский рисунок» и, не затронутый увиденным, пройдет мимо.
Во-вторых, — это код самого послания автора. Формулируя свою идею, художник старается излагать ее на языке живописи, пользуясь законами изобразительного искусства, главным из которых является закон композиции. Кроме языка законов построения изображения, у живописи есть еще и другой язык. Со Средних веков — когда живопись тяготела к иносказательной интерпретации предметов — в изобразительном искусстве выработался язык символов, используя который автор мог уложить свою идею в строгие рамки разрешенных сюжетов. Этот язык получил свое дальнейшее развитие в 17−18 веках, когда для создания картин часто использовались сцены из древних мифов.
В-третьих, сознательный выбор разнообразных художественных приемов формирует у художника неповторимый « почерк», зная который, легко можно установить авторство неизвестных произведений.
Зачем же нужны все эти « коды», неужели нельзя просто взять и нарисовать то, что больше всего понравилось, чтобы все поняли, как это действительно красиво. К сожалению, наука пока не может ответить на этот вопрос. Дело в том, что эта проблема напрямую связана с проблемой происхождения языка. Мы не знаем, почему люди постепенно перешли на условный язык общения, отказавшись от языка жестов и животных криков. Можно только предположить, что это было как-то связано с развитием культуры. И хотя дух реализма в современной культуре, как видно, возобладал, мне кажется, что, так или иначе, авторы реалистичных картин всегда переходят на язык « тайнописи» или же уходят в примитивизм.
Основные законы живописи
Можно облегчить себе восприятие картины, обратившись к основным законам живописи, посредством которых художник общается с нами, переводя на холст свои мысли и чувства. Главный закон живописи — создание правильной композиции, уравновешение различных частей картины. Основная функция композиции — привлечение внимания зрителей к главному объекту, передача игрой форм, линий и красок определенного душевного настроя.
Так, например, строгие прямые линии хорошо передают вес и объем, придают формам законченность и совершенство, рождают ощущение гармонии, душевного спокойствия. Совершенство форм подразумевает использование чистых насыщенных цветов. Картина становится « звучной». Так, например, очень « звучные» картины у Н.Рериха. Хорошо знали этот прием иконописцы; прекрасно удавалось передать « звучание» красок Феофану Греку.
Напротив, изогнутые линии рождают в душе ощущение движения, изменчивости. Так, например, петляющая дорога в голубой дымке на заднем плане картины Леонардо да Винчи « Мона Лиза» создает ощущение зыбкости, мимолетности, легкой невесомости самого портрета. Очень часто художники использовали задний план для того, чтобы подчеркнуть умонастроение персонажа картины и сообщить зрителю определенную эмоцию. Распространен был подобный прием в написании парадных портретов.
Далее, у картины всегда есть точка зрения — то положение, с которого автор показывает нам объект. Она напрямую связана с законами построения перспективы, т.к. является точкой схода параллельных линий изображенных предметов. Существует несколько видов перспективы. Наиболее распространенные — это обычная прямая перспектива ( с точкой схода, расположенной за объектом), показывающая уменьшение размеров предметов по мере удаления от глаз наблюдателя, и обратная перспектива ( точка схода находится впереди объекта), предметы в которой по мере удаления от наблюдателя увеличиваются. В иконописи художники часто прибегали к использованию обратной перспективы для того, чтобы подобным образом воплотить идею о приближении далеких идеалов. Точка схода позволяет художникам, как бы играя пространством, привлекать внимание зрителя к наиболее значащим объектам и планам картины. Например, в картине Леонардо да Винчи « Тайная вечеря», мы легко можем определить композиционный центр, благодаря точке схода перспективы изображения, расположенной сразу за Христом.
Большое значение в восприятии картины имеет линия горизонта. Линия горизонта позволяет передавать масштаб изображаемых событий в соответствии с умозрительным восприятием художника. Например, линия горизонта, расположенная в нижней части картины, может рождать ощущение причастности к действию, тогда как, напротив, находясь в верхней части полотна, она заставляет нас оценивать изображенное на картине с «высоты птичьего полета».
Кроме гармонии линий и форм в картине еще должна присутствовать гармония света и цвета. Световые пятна применяются для придания картине эмоционального напряжения, перерастающего в определенный мысленный настрой. Действие этого эффекта объясняется концентрацией внимания зрителей на наиболее важных, значимых деталях картины. Прекрасно умели работать со светом Тициан, Рембрандт, К. Брюллов, И.Куинджи. Например, на картине И. Куинджи « Лунная ночь на Днепре» мы видим только два ярких световых пятна посреди непроглядной ночи — луну и узкую полоску воды под ней. Такой световой контраст рождает в душе чувство спокойствия и умиротворения. Подобные световые контрасты широко используются и в портретах. Прекрасный пример тому — «Портрет мужчины в красном» кисти Рембрандта или « Достоевского» В. Перова. В них световые акценты на лице и на кистях рук рождают ощущение погруженности в размышления, внутренней силы персонажа.
Цветопередача картины преследует ту же цель, что и световые акценты, — привлекать внимание зрителя к наиболее значимым деталям произведения. Контраст цветов руководит избирательностью восприятия. В первую очередь взгляд выхватывает наиболее яркие цвета картины, а затем невольно переходит на фрагменты, контрастирующие этому цвету. Если внимательно посмотреть на картину, можно заметить, что цветовые контрасты располагаются вокруг композиционного центра, таким образом, создавая на нем дополнительный акцент. Кроме этого, они рождают ощущение внутреннего движения, картина как бы оживает, перестает быть статичной.
Композиционные законы живописи являются хорошей иллюстрацией закона диалектики о борьбе и единстве противоположностей. Вся композиция картины строится на единстве и контрасте объекта и фона, линий и форм, света и цвета. Объединяя эти разные элементы, противопоставляя их другим группам композиции, автор делает картину более емкой и многозначной.
Зорко одно лишь сердце
Картина — это книга, но не старайтесь сразу найти в ней последний лист с содержанием. Картина — это та же пещера Али-Бабы, откуда можно взять лишь столько золота, сколько можно унести за один раз. Но к картине можно всегда вернуться, когда духовные силы вновь потребуют насыщения. Ведь даже приходя на выставку в разном настроении, можно получить разное восприятие картины.
Одну и ту же картину люди могут воспринимать по-разному. Достаточно только вспомнить неутихающие дискуссии на тему « Моны Лизы», чтобы понять это. Одной из восхитительных особенностей живописи является то, что она способна породить бесчисленное число многослойных реакций восприятия, и, одновременно, выявить « общий знаменатель», — тот важный смысл, заложенный в основу картины, — который понимают и видят все.
Живопись всегда будет напоминать нам о том, что, как говорил Лис в романе А. Сент-Экзюпри « Маленький принц»: «…зорко одно лишь сердце. Самого главного глазами не увидишь». И, может, действительно, только благодаря искусству, в один прекрасный момент мир будет спасен.
В старой сказке «Золушка» мальчик-паж говорит: «я не волшебник, я только учусь.»
В этом смысле я тоже пока еще только учусь в художественной школе. И не могу сказать: я художник или неплохой рисовальщик.
Я отличаю эти понятия. Хорошо рисовать позволяет какая-то точность связи в мозгу: рука-мозг.
Но иногда вдруг хочется изменить привычную линию и сделать немного другой. Или взять другой цвет. На себе я заметила, что это зависит от эмоционального состояния. В дни, когда внутри есть море энергии, тогда выходит сама эта энергия вместе с линиями.
В рисунке есть что-то, что зацепляет глаз другого человека, ему передается настроение.
Это не выглядит как «думание», мышление. Это выглядит, как дать свободу своим рукам и чему-то внутри себя.
Сам мозг только контролирует, что линия того и сего имеет примерно нужные пропорции.
Но в линии или вливается энергия и накладывается на них, или нет.
Когда энергии мало, то может выйти очень точно, но похоже то ли на фотографию, то ли на чертеж с ошибками в пропорциях.
Я стараюсь научиться разным приемам, чтоб не думать о сходстве, чтобы оно происходило само, в результате навыка.
Но если думать о глубине и сути того, что создаешь, то как многоножка, запутаешься в ногах.
Это больше похоже на дыхание души. Она дышит, картина пишется.
Глубокая прорисовка деталей, летучие пространства создают динамику летящего эфирного образа.
Но есть во всех лицах лёгкая, чуть заметная серьёзность и грусть. Венди не только «думает» красками, светотенью, но и заставляет думать нас. Картины можно разглядывать до бесконечности, они также навевают и лёгкую печаль: всё в мире быстротечно. Прекрасная юность носит в себе уже печать осени. Наверно, поэтому в её портретах так много золотых красок. Прекрасной и «очаровательной» поры, но. недолгой.
О чём думает художник? Как сосредоточиться во время рисования: тишина или звуки?
Одна моя ученица как-то спросила: “А о чём, вообще, думает художник, когда рисует?” Я вот о всякой ерунде думаю, ничем с рисованием не связанной, это же, наверное, неправильно?” Неоднозначный, конечно, вопрос, но важный и интересный. Давайте порассуждаем.
Я сама, когда рисую или работаю над гравюрой, часто слушаю какую-нибудь аудиокнигу или вдохновляющую музыку (кантри, джаз, lounge-аранжировки), хотя в годы ученичества мне было сложно сосредоточиться даже если кто-то просто разговаривал рядом. В такие минуты тщательно обдумывался каждый шаг, мазок, линия. Так почему же сейчас всё стало намного проще? Конечно, дело в привычке, ведь абсолютной тишины вокруг себя во время рисования никто гарантировать не может. От сеанса к сеансу это отвлекает всё меньше и меньше.
И, да, обдумывать последовательность шагов в рисовании тоже нужно учиться, закреплять, повторять, чтобы потом, во время ваших самостоятельных творческих занятий, они выполнялись сами собой. Они разные, в зависимости от выбранного жанра, техники и технологии, цели и поставленных задач. Но, в любом случае иметь такой план поэтапной работы над картиной стоит. По мере роста вашего профессионального мастерства художника, он будет сам собою формироваться в вашей голове, не занимая полностью всё внимание и не парализуя целиком мыслительную деятельность. Можно будет и музыку послушать в процессе создания картины, и на важное сообщение ответить. Это дело наживное.
Пабло Пикассо Цитаты и Афоризмы
Имя при рождении:
Пабло Диего Хосе Франсиско де Паула Хуан Непомусено Мария де лос Ремедиос Сиприано де ла Сантисима Тринидад Мартир Патрисио Руис и Пикассо
Дата рождения:
25 октября 1881[1]
Место рождения:
Малага, Испания
Дата смерти:
8 апреля 1973[1] (91 год)
Место смерти:
Мужен, Франция
Жанр:
художник, скульптор, график, керамист и дизайнер
Учёба:
Королевская академия изящных искусств Сан-Фернандо (в Мадриде в течение одного года)
Стиль:
кубизм, сюрреализм, постимпрессионизм
Известные работы:
Авиньонские девицы, Герника, Девочка на шаре, Обнажённая, зелёные листья и бюст, Столик в кафе
Премии:
Международная Ленинская премия «За укрепление мира между народами» — 1962
Сайт:
picasso.fr
Подпись:
Picasso Signatur-DuMont 1977.svg
Commons-logo.svg Работы на Викискладе
Па;бло Дие;го Хосе; Франси;ско де Па;ула Хуа;н Непомусе;но Мари;я де лос Реме;диос Сиприа;но де ла Санти;сима Тринида;д Ма;ртир Патри;сио Руи;с и Пика;ссо (принят также вариант Пикассо;[2][3], исп. Pablo Diego Jos; Francisco de Paula Juan Nepomuceno Mar;a de los Remedios Cipriano de la Sant;sima Trinidad M;rtir Patricio Ruiz y Picasso; 25 октября 1881, Малага, Испания — 8 апреля 1973, Мужен, Франция) — испанский художник, скульптор, график, театральный художник, керамист и дизайнер.
Основоположник кубизма (совместно с Жоржем Браком и Хуаном Грисом), в котором трёхмерное тело в оригинальной манере рисовалось как ряд совмещённых воедино плоскостей. Пикассо много работал как график, скульптор, керамист и т. д. Вызвал к жизни массу подражателей и оказал исключительное влияние на развитие изобразительного искусства в XX веке. Согласно оценке Музея современного искусства (Нью-Йорк), Пикассо за свою жизнь создал около 20 тысяч работ[4].
Эксперты объявили Пикассо самым «дорогим» художником: в 2008 году объём только официальных продаж его работ составил 262 млн долларов[5]. 4 мая 2010 года картина Пикассо «Обнажённая, зелёные листья и бюст», проданная на аукционе «Кристис» за 106 482 000 долларов, стала самым дорогим произведением искусства, когда-либо проданным в мире[6]. А 26 марта 2013 года стало известно, что прежний претендент на картину «Сон» всё же купил её частным образом после реставрации, заплатив рекордную сумму 155 млн долларов. Таким образом прежний рекорд стоимости работ Пикассо побит, и картина «Сон» возглавила список самых дорогих картин Пабло Пикассо. 11 мая 2015 г. на аукционе Christie’s был установлен абсолютный рекорд открытых торгов, картина Пабло Пикассо «Женщины Алжира» ушла за рекордные 179 365 000 долларов. Это стало абсолютным рекордом для произведений искусства, продаваемых с открытых торгов.[7].
100 лучших художественных фраз великих художников
Я оставляю тебя лучшим художественные фразы известных художников, таких как Пабло Пикассо, Винсент Ван Гог, Микеланджело, Леонардо да Винчи, Фрида Кало, Вуди Аллен, Сальвадор Дали и многие другие.
Вы также можете заинтересовать эти фразы музыкантов или вы о творчестве.
-В искусстве рука никогда не может исполнить ничего, что может представить сердце. Ральф Уолдо Эмерсон.
-Искусство должно быть выражением любви, или оно ничто. Марк Шагал.
-Искусство позволяет нам одновременно находить и терять себя. Томас Мертон.
-Изучайте правила как профессионал, чтобы вы могли нарушить их как художник (Пабло Пикассо).
-Ни один великий художник не видит вещи такими, какие они есть на самом деле. Если бы он сделал, он перестал бы быть художником. Оскар Уайльд.
-Творчество позволяет вам делать ошибки. Искусство знает, что оставить. Скотт Адамс.
-Если это продано, это искусство. Фрэнк Ллойд.
-Я мечтаю о своей живописи и рисую свою мечту. Винсент Ван Гог.
-Многие отличные повара испорчены, потому что они посвящены искусству..
-Без искусства суровая реальность сделала бы мир невыносимым. Джордж Бернард Шоу.
-Каждый артист был сначала любителем. Ральф Уолдо Эмерсон.
-Бог и другие художники всегда немного темны. Оскар Уайльд.
-Позиция художника скромна. По сути, это канал. Пит Мондриан.
-Когда нации стареют, искусство становится холодным, и на каждом дереве устанавливается торговля (Уильям Блейк)..
-Истинное искусство характеризуется непреодолимой потребностью в творчестве художника. Альберт Эйнштейн.
-Я не все говорю, но я все рисую. Пабло Пикассо.
-Все, что вы можете себе представить, реально. Пабло Пикассо.
-Искусство не хлеб, а вино жизни. Жан-Поль Рихтер.
-То, что чеснок для салата, безумие для искусства. Август Сен-Годен.
-Великое искусство начинается там, где кончается природа. Марк Шагал.
-Каждый хороший художник рисует, какой он есть. Джексон Поллок.
-Единственный раз, когда я чувствую себя свободным, это когда я рисую. Винсент Ван Гог.
-Каждое произведение художника должно быть приключением его души. Сомерсет Моэм.
-Если вы спросите меня, чем я занимаюсь в этом мире, я как художник отвечу вам: я здесь, чтобы жить. Эмиль Золя.
-Каждый портрет, который написан с чувством, является портретом художника, а не модели. Оскар Уайльд.
-Искусство только для тех, кто готов подвергнуться усилиям, необходимым, чтобы понять это. Фланнери О’Коннор.
-Ваши первые 10000 фотографий самые уродливые. Анри Картье-Брессон.
-Художник должен знать, каким образом он может убедить других в правдивости своей лжи (Пабло Пикассо)..
-Работа художника состоит не в том, чтобы поддаться отчаянию, а в том, чтобы найти противоядие от пустоты существования. Вуди Аллен.
-Мечта ведет нас к мечте, и иллюзии нет конца. Жизнь подобна череде настроений или жемчужному ожерелью. Ральф Уолдо Эмерсон.
-Без искусства суровая реальность сделала бы мир невыносимым. Джордж Бернард Шоу.
-Собирайте книги, даже если вы не думаете о чтении сразу. Нет ничего важнее непрочитанного сообщения. Джон Уотерс.
-Способ создания искусства состоит в том, чтобы сжечь и уничтожить общие концепции и заменить их новыми истинами, исходящими от вершины головы и сердца. Чарльз Буковски.
-Без магии нет искусства. Без искусства нет идеализма. Без идеализма нет целостности. Без целостности нет ничего, только производство. Раймонд Чандлер.
-Талант дешев; Посвящение дорого, оно будет стоить вам жизни. Ирвинг Стоун.
-В доме, который служит музеем, нет места печали. Сапфо.
-Зло совершается легко, естественно, смертельно; Добро всегда является продуктом искусства. Шарль Бодлер.
